viernes, 28 de diciembre de 2018
domingo, 23 de diciembre de 2018
sábado, 22 de diciembre de 2018
jueves, 20 de diciembre de 2018
martes, 18 de diciembre de 2018
lunes, 17 de diciembre de 2018
viernes, 14 de diciembre de 2018
miércoles, 12 de diciembre de 2018
martes, 11 de diciembre de 2018
Pintando.......
El rojo es más que uno de colores primarios; data de la prehistoria y fue uno de los primeros colores usados por los artistas. Al ser atractivo y cálido por naturaleza, el rojo –que va de tonos anaranjados hasta vinos profundos– ha tenido un significado especial para muchas culturas.
En varias regiones del mundo, el rojo simboliza alegría y buena suerte. De hecho, en muchos países asiáticos, las novias usan prendas rojas el día de su boda, ya que representa fertilidad y fortuna. En Europa, el rojo se relacionó con los aristócratas y el clero. Su asociación con la sangre de Cristo lo hizo especialmente importante para la iglesia católica, tanto que el título de cardenal proviene del color que usaban tradicionalmente los cardenales católicos romanos. En la actualidad, la cultura occidental suele asociar este color con el amor.
Presente en el arte y los textiles desde tiempos inmemoriales, el color rojo es poderoso y elegante. Echemos un vistazo a algunos de los tonos más importantes presentes en el arte y aprendamos más sobre la fascinante historia de este color.Una de las formas más antiguas del rojo proviene de la arcilla, dada la tonalidad roja de este mineral. De hecho, se ha encontrado evidencia de que las personas en la Edad de Piedra tardía molían ocre rojo para usarlo como pintura corporal. El rojo, junto con el blanco y el negro, fue uno de los tres colores utilizados por los artistas en la era del Paleolítico, pues era fácil de obtener en la naturaleza. Las pinturas rupestres prehistóricas en Altamira, España, que datan entre 15000 y 16500 a.C., son uno de los ejemplos más antiguos de pinturas con ocre rojo.
El rojo también fue importante en la antigua China. Este color aparece en piezas de cerámica negra y roja que datan entre 5000 y 3000 a.C.. También se han encontrado rastros de ocre rojo en la paleta de un pintor dentro de la tumba del rey Tut en Egipto. En el antiguo Egipto, el ocre rojo era usado por las mujeres para darle color a sus labios y mejillas. Durante las celebraciones, las personas pintaban sus cuerpos con este pigmento, ya que en la cultura egipcia, el rojo se asociaba con la vida, la salud y la victoria. El ocre rojo también se usó en pinturas murales. Los tonos de este rojo van de un brillante escarlata a un ladrillo profundo. El cinabrio recibe su nombre del mineral con el que está hecho: un sulfuro de mercurio altamente tóxico que fue utilizado desde la época de los egipcios. El brillante color fue el preferido de los antiguos romanos, quienes lo usaron extensivamente para la decoración, como aún puede verse en los murales de Pompeya. De hecho, el cinabrio era tan valioso en la época romana que era más costoso que el azul egipcio y el ocre rojo de África. Desde el siglo XII, el cinabrio también se usó en lacas talladas de China. En la antigüedad, los pigmentos bermellones estaban hechos de cinabrio, pero esto no debe confundirse con las pinturas también llamadas “bermellón” que surgieron después. Este intenso color rojo, que se inclina hacia el púrpura, está hecho de cuerpos secos de kermes hembras. Estos pequeños insectos, que se alimentan de la savia de los robles de hoja perenne, fueron criados comercialmente para producir tintes y pinturas. El carmesí hecho de kermes pasó a la historia con la introducción del carmín, hecho a base de grana cochinilla. Esto se debió en parte al hecho de que se necesita doce veces la cantidad de kermes para lograr la misma intensidad del color de la grana cochinilla.
En mi paleta.......
lunes, 10 de diciembre de 2018
sábado, 8 de diciembre de 2018
jueves, 6 de diciembre de 2018
11 de febrero de 2010
Gustavo Vázquez King
Gustavo Vázquez King, mediante esta entrevista nos explica su evolución artística tanto en Sudamérica como en España. Desarrolla sus obras dentro de las tendencias del impresionismo, fauvismo y surrealismo. Es impresionante ver como un artista puede llegar y transmitir tanto al público a través de sus obras como a través de sus palabras.
1. Gustavo, lleva muchos años en España concretamente en Carboneras ( Almería ), ¿nos puede hablar de sus inicios en la difusión de su arte por tierras Sudamericanas?, ¿se encontró con muchas dificultades para exponer su obra?
Ingresé en la Escuela de Artes Aplicadas de mi Montevideo natal, donde me cultivé con los maestros , Jonio Montiel, Anhelo Hernández, Hugo Mazza, Luis Arbondo, Eduardo Larrarte,Alceu Ribeiro, Nelson Ramos, Sergio Curtto, algunos de ellos de la cantera de Joaquín Torres García, maestro del constructivismo uruguayo, con ellos aprendí técnicas de pintura, grabado, escultura, escenografía y mas adelante me vinculé al taller de mi amigo y maestro, Hugo Nantes en su taller del Prado, Manolo Lima, en los Pinares de Punta del Este, también discípulos de Torres García.,Ya con algunos años de experiencia comencé mis andaduras en solitario por el continente., mi primera exposición la realicé en el museo Génaro Pérez de la ciudad de Córdoba, Argentina ( 1975 ). Ya regresado de mi deambular me instalé en mi taller propio en el Prado, sin perder vínculos con la Escuela de Artes Aplicadas, donde siendo discípulo de Sergio Curtto tomé la alternativa de dirigir el grupo de pintura como alumno-maestro por baja de enfermedad del maestro titular, experiencia que me llevó a ejercer como maestro titular de expresión plástica en el Lycée Francais de Montevideo, alternando con mis alumnos de mi taller en el Prado.
Aunque difícil lo tenía para exponer me buscaba la vida, rastro de Montevideo ( Villa Biarritz ), alguna plaza desordenada ( Gomensoro ) o Fortaleza de Santa Rosa, me buscaba sitios frecuentados por algunos burgueses en su intimidad, ganándome a sus doncellas de turno para venderle al patrón.
Comienzo a aventurarme en Brasil, ( Sao Paulo, Manaus, Campo Grande, Puerto Santos). En Bolivia, Santa cruz de la Sierra. En EE.UU. (Washington d.C.) OEA. Y mi salto al continente europeo, Gran Canarias, Italia, Francia, España.
2. Su pintura oscila entre el impresionismo y el fauvismo. ¿En alguna de sus obras se ha visto influenciado por el surrealismo?
El surrealismo surgió al explorar nuevas tecnologías en mi ordenador y a experimentar con el photoshop y las alternativas que el programa da, allí comienza mi nueva aventura, aunque sus logros son importantes, me sabe a vacío y frio, su técnica no muy explorada me distrae y me disculpa ante la clásica pintura de caballete.
Comienzan a surgir imágenes surrealistas, quizás muy de agencia de publicidad y de fácil comercialización, económica.
Gustavo Vázquez King
3. En sus pinturas hemos visto diferentes temáticas, obras paisajistas, figurativas, abstractas, ¿con cuál de ellas se siente más cómodo al pintar?
En mi pintura a habido influencia de los sitios donde he vivido, como bocetos de postales coloridas, pero la temática más influyente fue el marinismo de cuando vivía en Valleseco, Gran Canarias, ya cuando me tenía que desplazar a la capital me deleitaba mirando el mar y su deporte autóctono la vela latina, ya en Canarias, mi paleta se llena de luz y empaste al óleo y técnica de espátula, mis exposiciones en el Real Club Náutico de Gran Canarias y las críticas recibidas, han hecho de mi pintura un reconocimiento e interesante crítica por una académica de San Fernando, perteneciente a la crítica española e internacional, eso me lleva a reafirmarme en la libertad de expresión, liberando mi creatividad a la mancha de color.
Allí comienza mi etapa fauvista expresionista (1985), la cual me sustenta en halagos y no menos crítica que hacen de ella mi paleta actual, reconocida por varias galerías y de las mas importantes de España ( Galería Durán, Madrid ), entre otras,
ya en mi estudio / taller de Águilas y mucho antes e experimentado nuevas técnicas matéricas y creando con ellas nuevas formas informales, abstracciones y algunas figurativa, una alternativa nueva a base de café, oligisto, cemento, con ellas expongo en el Colegio de Arquitectos de Almería ( 1992 ).
Focus Abengoa, Sevilla.
Alternando con mi fauvismo marinista
4. Hay momentos o temporadas que un artista pierde la inspiración, ¿qué hace el señor Vázquez King para recuperarla?
Inspiración…………nunca la he perdido, me encuentro creando continuamente, ensayo o cocina de taller, experimento y busco alternativas en materiales de reciclado, o elaboro mis materiales, o modelo una escultura con los materiales que el hombre deshecha, me encuentro fascinado con los materiales y su plasticidad abstrayendo su forma para crear de ella la belleza y así continuar o ubicarme dentro de algún movimiento, que refleje mi estado y su creatividad.
Así recupero mi lapsus, me siento frente al caballete y contemplo mi obra inerte, hasta que su forma se mezcla con los colores y comienza a surgir una nueva aventura colorista.
5. En su última colección la temática de sus obras es el desnudo femenino en diferentes situaciones; ¿por qué ha escogido este tema?
La figura femenina, es su sensualidad y calidez, sus curvas y redondeces, forma su desnudez a la imagen de la tierra, la que nos cobija y de sus frutos, el alimento. Señora de hombres, industriales, sugestivas ………………la temática femenina da para infinitas creaciones, tierra femenina, luna femenina, la belleza es femenina, cálida, tierna, dulce, es madre de creadores, …….
Gustavo Vázquez King
6. ¿Se ha visto influenciado por algún artista lo largo de su carrera?
Si, claro, todos somos influenciados por directrices ya sea por maestros o tutores en el ambiente que nos recrea ( Torres García, Dalí, Kandiski, Van Gooh, Matisse, Hugo Nantes, Tapies, LeParc, Turnner, y alguno mas que se me escapa.
7. ¿En qué lugar de España le gustaría exponer y no lo ha hecho todavía?, ¿y del extranjero?
Bueno………..en la Villa de Madrid, me gustaría llevar mi obra, ya que gran parte de mis aduladores clientes, son de allí, algunos ya se fanatizan pasándose por mi estudio en verano y llevándose alguna cosita, después donde me inviten a portes pagados ( ya que es uno de mis grandes problemas, el transporte de mi obra ), y en el extranjero mi gran clientela es de Holanda y saben mucho de la corriente vangoriana, ven en mi obra el resurgir del gran maestro.
No descarto a los ingleses que también ven en mi paleta fauvista a Turnner y el marinismo.
8. ¿Cree que las Nuevas Tecnologías están ayudando a difundir la obra de los artistas?
Las nuevas tecnologías son muy importantes, el hombre es tecnológico en el sistema, no se puede apartar de las avanzadillas y la técnica, en la medida que el hombre se tecnifica, avanza y se reproduce en formas abstractas pero de funcionalidad al resto de sus comunes es la forma mas clara de llegar a la globalización de su obra.
Dentro de las nuevas tecnologías, ha surgido de las entrañas de mi taller,( Prado, Montevideo, Uruguay), un discípulo ya destacado en la Bienal de Venecia ( Juan Pedro Fabra ) y en Suecia, la superación del alumno al maestro, en nuevas corrientes tecnológicas.
9. ¿Cómo ve la aplicación de las Nuevas Tecnologías al arte actual como por ejemplo el videoarte?
De momento no he experimentado nada, falta de recursos, o quizás es un campo poco explorado por mi, pero ya veo obra de mi discípulo que es de vanguardia y me enorgullece saber que está experimentando nuevas tecnologías, no es que me quede en la cuneta de la vanguardia tecnológica, pero lo mío es mas de tacto y materia, lienzo, bastidor, óleo / espátula, oligisto y café.
Beatriz Casalod
martes, 4 de diciembre de 2018
martes, 27 de noviembre de 2018
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